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martes, 27 de octubre de 2026

FRECUENCIA DE AFINACIÓN

Actualmente la frecuencia de afinación estándar es “La 440 Hz”, establecida en 1955. Sin embargo, antes de esto, la frecuencia de afinación variaba significativamente.

Durante siglos no existió un estándar único; la afinación dependía de cada ciudad, teatro e incluso constructor de instrumentos, por ejemplo: el órgano de Halberstadt (1361) estaba cerca de los 505.8 Hz, la música de Bach rondaba los 480 Hz, y en el periodo barroco se usaba habitualmente el La a 415 Hz, lo que hacía que la música sonara un poco más grave que la que escuchamos hoy.

En 1619, Michael Praetorius (1571-1621) sugirió que una afinación adecuada para La sería 424.2 Hz debido a que estándares de afinación más altos provocaba que se rompieran las cuerdas más delgadas del violín, que en esa época se hacían con intestinos o tripas de animales.

El gobierno francés dictó una ley el 16 de febrero de 1859 en el que establecía el La 435 Hz.  Este fue el primer intento de estandarizar la afinación y fue conocido como el “diapasón normal”.

En 1917 en los Estados Unidos el La 440 Hz era casi el tono patrón más extendido, mientras que en la mayoría de los países de Europa rondaba los 435 Hz, aunque había variaciones de este dependiendo de los países y las orquestas consideradas.

En 1939 una conferencia internacional en Londres recomendó adoptar el afinar La musical a 440 Hertzios por motivos de practicidad técnica para la radio, la grabación y la fabricación masiva de instrumentos. En 1955, la Organización Internacional de Normalización (ISO) lo ratificó oficialmente como el estándar global (norma ISO 16).

Hoy en día, algunas corrientes musicales experimentales apoyan el volver a frecuencias más bajas, como los 432 Hz, ya que opinan que proporcionan una mayor sensación de calma y armonía.

Samantha Aguilar

lunes, 9 de marzo de 2026

AMARILLO OCRE

Se trata de un pigmento mineral, extraído de las profundidades de la tierra, y es uno de los primeros pigmentos que la humanidad utilizó por lo que no se trata de un simple color ya que cuenta con siglos de tradición.

Extraído directamente de la tierra, esta materia prima se ha utilizado desde la prehistoria para adornar las paredes de cuevas (las pinturas rupestres de Lascaux, que datan de hace más de 17.000 años, son un testimonio de su uso) enriquecer murales antiguos y realzar las obras de los grandes maestros.

Desde África hasta América, y desde Europa hasta Asia, este pigmento se encontraba dondequiera que la tierra lo ofreciera por lo que las culturas lo adoptaron no solamente por sus cualidades estéticas, sino también por su practicidad y simbolismo.

El amarillo ocre es una arcilla teñida por un mineral a base de hierro (goethita); su tonalidad varía del amarillo pálido al amarillo dorado, dependiendo de su pureza y la proporción de los minerales que lo acompañan. Por ejemplo: si se calienta entre 300 y 400 °C, experimenta una transformación convirtiendo la goethita en hematita produciendo ocre rojo.

Una de las mayores ventajas de este pigmento es que, a diferencia de muchos orgánicos o sintéticos, no se degrada con la exposición a la luz ni a la humedad; convirtiéndolo en un aliado indispensable para artistas de todos los tiempos.

Samantha Aguilar

viernes, 28 de noviembre de 2025

NOVIEMBRE Y EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS PERDIDO

Relato


Quiero contar una historia que comienza como muchas otras...

Tiene como protagonista un pequeño niño que soñaba con el país de las maravillas propio de un cuento de hadas, que en el camino a encontrarlo se encontró con la vida misma. Tuvo que decidir sus caminos tomó uno, otro y uno más y se topó entonces con el mundo; enorme y complejo, con realidades muy distintas a las maravillas, que soñó.

Conoció el miedo y fue tan grande su impresión que se escondió detrás de la figura de un hombre que le abrió sus brazos. Pero aquel hombre venía arrastrando dolor, ansiedad y frustración y su escudo era el maltrato, la ira y el desamor. La necesidad y el instinto de supervivencia lo habían enseñado a callar, aprobar y complacer no por convicción sino por aprobación.

El tiempo pasó y el hombre que acogió al Niño aprendió a gritar, abusar y agredir, como la única forma que tenía para defenderse, practicaba aquella rutina, una y otra vez sin llegar al hastío. Pese a todo y aún sin merecerlo la vida fue benevolente; le puso en su camino compañías sinceras, pero él, que se había llenado de rencor, frustración e ira no supo retenerlas y las alejó una a una, desde aquellas por las que llegó a sentir simpatía, hasta aquella a las que el pequeño Niño se aferraba y amaba. 

El final era previsible, el pequeño al final sucumbió en la más terrible soledad, ahogado en su llanto y sin consuelo, nunca llegó al país que tanto añoraba. No supo cómo, ni cuándo, pero hay quien asegura que fue una noche de noviembre, cuando tras un último grito del hombre colérico, el pequeño se durmió para siempre, nunca encontró su mundo ideal, se abrazó a su sueño sin realizar.

No estarán para saberlo, pero tengo un secreto que contarles ese pequeño Niño fui yo…

Querido autor anónimo

martes, 29 de julio de 2025

AZUL MAYA



A través de la historia, el azul ha ejercido un poder simbólico y visual excepcional; además que se trata de uno de los colores más populares y entre los distintos tonos que existen está el azul maya el cual es considerado el pigmento con mayor fijación de todo el mundo.

El azul maya es un pigmento único de color azul turquesa o celeste brillante, resistente y tecnológicamente avanzado que se caracteriza por su durabilidad y resistencia a la decoloración y la humedad; de hecho es tan natural, poderoso y puro, que nunca se desvanece.

Fue el color imperial y era sumamente importante para los sacerdotes en los rituales; se utilizaba principalmente como protagonista en el ritual para invocar al señor de la lluvia (Chaak) donde se arrojaban a un cenote cuerpos humanos teñidos de color para una buena cosecha. Además, consideraban que el pigmento purificaba el alma, por lo que era muy usado en las víctimas de sacrificio durante diversos rituales y para decorar los altares.

Se trata de un pigmento azul sintetizado por los mayas, el cual ha constituido un rompecabezas para los científicos durante décadas ya que no saben cómo explicar su  brillo  y  su  extrema  estabilidad. Este pigmento 100% natural, está compuesto por arcilla palygorskita y la planta añil.

Su estabilidad sin precedentes desafía la exposición a alcaloides, a biodegradación como la humedad, luz, ácidos, e incluso disolventes químicos modernos o corrosión. Múltiples murales, códices y arte maya han sobrevivido casi un milenio para demostrarlo

Cabe mencionar que el uso y la elaboración del azul maya se perdieron después de la Conquista; y fue hasta el siglo XX que por medio de tecnología, se fue redescubriendo su composición.

Samantha Aguilar

lunes, 7 de julio de 2025

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA

La escultura es una forma de expresión artística que consiste en crear obras tridimensionales, es decir con volumen, a partir de diversos materiales y utilizando distintas técnicas como: tallado, modelado, ensamblaje, fundición, soldadura o tecnologías digitales. A lo largo del tiempo los materiales utilizados han cambiado, pasando de la madera, el barro, la piedra y el mármol a los metales y más tarde a plásticos. Una de las esculturas más famosas es la de El Éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini.

En la década de 1640, Gian Lorenzo Bernini era el artista más famoso de Roma. Había definido todo el estilo barroco de la ciudad. Sus obras eran grandiosas, dramáticas y emocionales pero para 1646, después de un gran fracaso arquitectónico en la Basílica de San Pedro, su carrera estaba al borde del colapso sin embargo fue precisamente esta escultura quien lo redimió.

Basada en una visión descrita por Santa Teresa de Ávila (monja y mística carmelita española muerta en 1582 y canonizada en 1622) quien describió en sus escritos, un momento en que un ángel le atravesó el corazón con una flecha ardiente provocándole un dolor intenso, pero también lleno de amor divino, llamándolo un éxtasis espiritual. 

En 1652, Bernini convirtió esta visión en mármol "No quiero representar una mera visión, sino hacer que el espectador la sienta y la experimente en su corazón.". De hecho, Bernini no solamente se valió de su talento como escultor para representar el momento de profundo trance religioso alcanzado por Santa Teresa de Jesús, sino que creó alrededor de ella una atmósfera teatral que buscaba conmover al espectador hasta llevarlo a un estado casi místico, por lo que usó los elementos a su alcance para lograr que su arte fomentara la fe de los fieles por ejemplo: la escultura incluye ventanas ocultas que iluminan los rayos dorados, realzando así su efecto dramático. En esta escultura Bernini reflejó el gozo que proporcionaba el encuentro entre lo humano y lo divino.

Actualmente esta obra, ubicada en Santa Maria della Vittoria en Roma, es considerada como una obra maestra del barroco. Cabe mencionar que El Éxtasis de Santa Teresa es la pieza central de la capilla encargada por el cardenal Federico Cornaro para albergar su sepulcro.

Samantha Aguilar

viernes, 8 de noviembre de 2024

NELLO Y PATRASCHE

La escultura es una forma de expresión artística que consiste en crear obras tridimensionales, es decir con volumen, a partir de diversos materiales y utilizando distintas técnicas como: tallado, modelado, ensamblaje, fundición, soldadura o tecnologías digitales. A lo largo del tiempo los materiales utilizados han cambiado, pasando de la madera, el barro, la piedra y el mármol a los metales y más tarde a plásticos. Una de las esculturas más tiernas es la de Nello y Patrasche.

Es una de las tantas sorpresas que ofrece Amberes, Bélgica a sus visitantes. Se trata de una enorme escultura de mármol de un niño que duerme junto a su perro, ambos cobijados por el adoquín, la cual sorprende a quienes van en busca de la Catedral de Nuestra Señora; y si esto no resultara excesivamente tierno, resulta que  está inspirada en un cuento clásico.

Un perro de Flandes de 1872 escrito por Marie Louise de las Ramée y firmado bajo el seudónimo de Ouida, narra la historia de Nello y su perro Patrasche. Resulta que Nello es un niño huérfano quien desea ir a la catedral de Amberes para ver los cuadros "La elevación de la Cruz" y "El descendimiento de Cristo", ambos cuadros de Rubens (pintor flamenco 1577–1640), sin embargo solamente podían acceder a la exposición aquellos que pagaran la entrada, y obviamente Nello no tenía dinero.

Finalmente una Nochebuena, Nello y su perro se dirigieron allí y por casualidad encontraron la puerta de la entrada abierta... A la mañana siguiente, los dos fueron encontrados muertos por congelamiento, abrazados, enfrente de uno de los cuadros.

Resulta que en 1908 el libro fue traducido al japonés ganando rápidamente popularidad por su emotiva historia y en 1975, fue adaptada a un anime que se convirtió en un gran suceso; de hecho tanto en Japón como en Corea la obra ha sido considerada un clásico infantil durante décadas y además de haber sido adaptada al anime también han hecho varias películas.

Fue así como en 1980, a pesar de que la narración es un poco oscura, el gobierno belga construyó dos monumentos en honor a esta historia con la finalidad de atraer turistas asiáticos; uno de ellos es esta monumental escultura.

Es así como en los últimos años esta escultura de un niño y su perro se ha convertido en una de las atracciones más inesperadas, pero preciosas, de Amberes.

Samantha Aguilar

jueves, 12 de septiembre de 2024

¿CUÁL FUE LA PRIMERA PELÍCULA A COLOR DE LA HISTORIA?

El cine y las técnicas cinematográficas han evolucionado desde que en el siglo XIX se proyectara la primera película. Actualmente, disfrutar de una película en alta definición y a todo color es lo normal, pero alguna vez te has preguntado  ¿Cuál fue la primera película a color?

En la historia del cine las primeras escenas que mostraron color no contaban con toda la gama cromática de hecho, solamente se mezclaban el verde y el rojo. Fue en 1906, tan solo 11 años después de la aparición del cine, que se inventó el proceso mecánico llamado Kinemacolor, desarrollado por el británico Albert Smith y financiado por el estadounidense Charles Urban, el cual estaba basado en la película en blanco y negro, a la cual incorporaban unos filtros (rojo y verde) colocados en ruedas giratorias mientras se filmaba la película.

La primera película proyectada con este sistema fue un cortometraje de 8 minutos, filmado en Brighton, con el título A Visit to the Seaside, el cual fue mostrado por primera vez en septiembre de 1908.

En 1914 Technicolor Motion Picture Corporation desarrolla un proceso que consistía en superponer 2 fotogramas consecutivos en un negativo en blanco y negro, uno de los fotogramas con un filtro rojo y el otro con un filtro verde. Con este proceso se filmaría la película, The Gulf Between (1917).

Este proceso siguió evolucionando a lo largo de los años y en 1929 la compañía desarrolló una cámara a 3 colores con 3 filtros (verde, magenta y naranja); los 3 negativos resultantes se usaban para imprimir imágenes de tinta superpuestas en cyan, magenta y amarillo en una sola tira de película, dando como resultado una copia a color.

Con este nuevo proceso, la compañía logró convencer a Walt Disney para que filmará la que se considera la primera película a todo color de la historia del cine  Flowers and Trees (1932).

Samantha Aguilar

miércoles, 28 de agosto de 2024

LA VICTORIA DE SAMOTRACIA

La escultura es una forma de expresión artística que consiste en crear obras tridimensionales, es decir con volumen, a partir de diversos materiales y utilizando distintas técnicas como: tallado, modelado, ensamblaje, fundición, soldadura o tecnologías digitales. A lo largo del tiempo los materiales utilizados han cambiado, pasando de la madera, el barro, la piedra y el mármol a los metales y más tarde a plásticos. Una de las esculturas más famosas es la Victoria de Samotracia.

Se trata de una antigua estatua griega (190 a.C.) de Niké la diosa de la victoria. Fue descubierta en 1863 por Charles Champoiseau y aunque estaba rota en pedazos e incompleta, la estatua era sublime; se encontraron 110 fragmentos, pero faltaban la cabeza y los brazos. Las alas también estaban incompletas, por lo que fueron restauradas con añadidos de yeso para sustituir los pedazos perdidos y recuperar el aspecto que más de asemejara al original. 

La Victoria de Samotracia es una de las pocas estatuas griegas cuya ubicación original se conoce con precisión. La estatua es de mármol de Paros (uno de los mármoles más hermosos de Grecia) y representa a la diosa de la Victoria posándose en una embarcación triunfante; muy probablemente fue encargada con motivo de una victoria naval por los habitantes de la isla de Rodas, quienes la levantaron en Samotracia para dar las gracias a los grandes dioses de la isla.

La escultura tiene una altura de 2,75 metros, y se erige sobre una base de mármol gris con vetas blancas, que representa la proa de un barco; con ella, la pieza adquiere una altura total de 5,57 metros. Desde su descubrimiento, la escultura forma parte de la colección de antigüedades del Museo del Louvre, en Francia.

 

Samantha Aguilar

jueves, 15 de agosto de 2024

BLANCO DE PLOMO

Se trata de un pigmento mineral sintético empleado desde la antigüedad, por su tono intenso y su gran poder cubriente; y aunque se trataba de un pigmento tóxico, fue el blanco más utilizado en las técnicas pictóricas hasta el siglo XIX, cuando se sustituyó por el blanco de cinc y posteriormente, por el blanco de titanio (Leer más…).

De hecho, el blanco de plomo fue el primer pigmento blanco sintético, el cual se descubrió en el siglo IV a.C., siendo así el pigmento artificial más antiguo. Se obtenía poniendo el metal en contacto con el vapor de un líquido ácido como el vinagre, el cual producía una reacción química que transformaba el plomo en un carbonato de plomo básico, cubriéndolo con una capa blanca la cual al rascarla se obtenía un polvo blanco, el cual resultaba una pintura excelente.

El blanco de plomo destaca entre otros pigmentos blancos por sus cualidades únicas: permite una pintura empastada y "mantecosa", permite gran opacidad y capacidad de cobertura, tiene una gran capacidad refractante siendo así más luminoso, es el de secado más rápido de todos los blancos pero también es un material sumamente sensible especialmente al ambiente y al paso del tiempo.

También se denomina cerusa, blanco de plata o albayalde. Y fue el pigmento más importante en la pintura occidental, desde la antigüedad (utilizado en China, Egipto, Grecia y Roma) hasta el siglo XX.

Cuando se utiliza este pigmento, es sumamente importante recordar que se trata de un material venenoso, por lo que se recomienda NO respirarlo (en polvo), NO ingerirlo y NO permitir que caiga sobre la piel. En caso de que nos manchemos con blanco de plomo es importante lavarnos bien inmediatamente

Samantha Aguilar

martes, 6 de agosto de 2024

DIONISIO, DIOS GRIEGO DEL VINO

Quien sea amante de los deportes y esté siguiendo los Juegos Olímpicos, sabrá que recientemente se armó debate sobre la Ceremonia de Inauguración, ya que para muchos fue una falta de respeto el representar “La Última Cena” (pintada por  Leonardo da Vinci entre 1494 y 1498), en este post no se hablará sobre este teme pero me gustaría hablarles sobre el dios griego que apreció en esta interpretación… Hablemos sobre Dionisio.

Hijo de Zeus y la mortal Semele, Dioniso quien en realidad es un semidiós fue criado por ninfas y sátiros. También conocido por su nombre romano como Baco, era el antiguo dios griego del vino, la diversión, la danza y el teatro. Como dios de la vegetación y del éxtasis, Dioniso fue uno de los dioses más importantes del panteón durante el periodo Helenístico (325-30 a.C.).

Según la mitología griega durante su juventud, Dionisio aprendió a cultivar la vid y elaboró una bebida fermentada; fue así como inventó el vino. Asombrado por su invento, comenzó a perfeccionar la técnica y se convirtió en un experto en la agricultura y cultivo de la vid.

En general, Dionisio representa todo aquello que provoque entusiasmo, pasión, locura o éxtasis; sin embargo es una deidad contradictoria ya que por un lado, representa la alegría, la diversión y el placer pero por otro, la violencia y/o la locura, relacionadas con la embriaguez y los excesos.

Los rituales en honor a Dionisio eran conocidos como las Dionisias o fiestas dionisíacas, en las que se realizaban procesiones, danzas, se tocaba música y se representaban obras de teatro. Razón por la cual también es considerado el Dios de la danza; de hecho, se creía que Dionisio ayudaba, a través de la danza, a conectar a las personas con la naturaleza y a liberarlas de sus inhibiciones por lo que sus seguidores, llamados ménades y sátiros, a menudo participaban en danzas frenéticas, que llevaban a situaciones fuera de todo control.

También es considerado el Dios del Teatro ya que durante sus celebraciones surgió la tragedia, la cual se desarrolló a partir de canciones y bailes que representaban los granjeros disfrazados de cabras. Así, el culto a Dionisio dio origen a un género literario que se lee y se representa hasta nuestros días.

Samantha Aguilar

viernes, 3 de mayo de 2024

BENEFICIOS DE ESCUCHAR MÚSICA

La música es un medio de expresión no sólo para los que la componen, también para quienes la escuchan: además provoca emociones y sensaciones de placer en la mayoría de las personas, es un fenómeno presente en todas las culturas del mundo por lo que se podría decir que es algo natural en el ser humano. Investigaciones han demostrado que la música afecta nuestra salud física, mental y emocional.

Para aprovechar todos los beneficios que ofrece la música, no es necesario tener dotes musicales por ejemplo: bailar es una forma divertida de mejorar el estado de ánimo y aumentar el ritmo cardíaco, enseñar canciones a niños pequeños es una forma eficaz de ayudarlos a aprender cosas nueva y aprender a tocar un instrumento puede servir para enseñar autodisciplina y mejorar la confianza.

A continuación, te enlisto una serie de beneficios de la música:

  • Reduce la ansiedad y el estrés, además que ayuda a regular las emociones.
  • Al escuchar rock o pop nuestra resistencia física puede aumentar un 15%.
  • Estudios han demostrado que ayuda a sentir menos molestias y dolor antes, durante y después de una cirugía; pero además actúa como analgésico en gran variedad de enfermedades como la artrosis o la depresión.
  • Mejora la memoria, el recuerdo y la atención ya que tanto el ritmo como las melodías ayudan a nuestro cerebro a formar patrones.
  • Escuchar 30 minutos al día de música reduce la presión arterial, mejora la circulación sanguínea y, como consecuencia también nuestra salud cardíaca.
  • Se utiliza como terapia para el Alzheimer, ya que permite evocar recuerdos o sentimientos por medio de melodías. 
  • Cuando escuchamos música se libera dopamina en nuestro cerebro, como cuando tomas drogas, practicas sexo o comes.

Samantha Aguilar

martes, 20 de febrero de 2024

JULIO VERNE “EL PADRE DE LA CIENCIA FICCIÓN”


El 8 de febrero de 1828 nace Julio Verne en Nantes, Francia, quien dejó como legado numerosas obras literarias capaces de sumergirnos en mundos mágicos. Considerado como el “padre de la ciencia ficción” junto a él hemos dado la vuelta al mundo en 80 días, viajado hasta el centro de la Tierra, navegado 20 mil leguas o perdido en una isla misteriosa…

Fue Alejandro Dumas (El Conde de Montecristo, Los tres mosqueteros, El hombre de la máscara de hierro) quien lo animó a seguir su sueño de ser escritor; por lo que Julio comenzó a pasar horas en la Biblioteca y se dio cuenta que ninguna historia mezclaba aventura con hechos reales y base científica. Fue así como fue creó el género literario que denominó Roman Scientifique.

Estaba muy al tanto de los avances científicos de la época, razón por la cual no es de extrañar que en sus novelas encontremos asombrosos inventos que pareciera que era capaz de predecir el futuro, por ejemplo: un siglo antes del aterrizaje en la luna, habló de viajes espaciales; en la novela de 20.000 leguas de viaje submarino, predijo la invención de los submarinos eléctricos.

Escribía mucho, de hecho se estima que 1 novela al año, logrando alcanzar la cifra de 54 obras en total. Es considerado el segundo autor más traducido, después de Agatha Christie (Diez negritos, Muerte en el Nilo). Además de ser  uno de los escritores más destacados de la literatura francesa en toda su historia.

Samantha Aguilar

viernes, 24 de noviembre de 2023

LA IGLESIA DE LOS 9 FANTASMAS

 

Luková, ubicado a unos 200 km al este de Praga, es una pequeña localidad de la República Checa que cuenta con apenas 700 habitantes. Se trata de una población rural del centro de Europa que hasta el 2012 vivía solamente de la agricultura y la ganadería pero todo cambió cuando un profesor de Bellas Artes de la Universidad de Bohemia Occidental pidió a sus alumnos que buscaran un lugar abandonado donde pudieran diseñar e instalar una obra de arte.

Jakob Hadrava, un alumno de tercer año descubrió la Iglesia de San Jorge de Luková, que llevaba abandonada desde 1968, y la propuso para el proyecto. Una vez autorizado el lugar, Jakub inició con su proyecto el cual consistía en instalar 9 figuras de fantasmas a tamaño real que permanecieran sentadas en los bancos de la iglesia, como inmóviles asistentes en una especie de misa eterna.

“Yo las hice para representar las almas de los alemanes que fueron expulsados de aquí después de la 2da Guerra Mundial”. (Jakob Hadrava)

Para crear las figuras de yeso, el joven usó como modelos a varios de sus compañeros. Los feligreses, ahora cubiertos con rígidas telas blancas, representan a los fantasmas de los devotos de otros tiempos. La instalación funcionó tan bien que no solamente comenzó a atraer visitantes sino que incluso empezaron a llegar turistas de distintos países.

Gracias al buen recibimiento, Jakub pudo ampliar su obra por lo que actualmente son más de 30 los fantasmas que habitan el lugar, sin embargo la iglesia de San Jorge sigue siendo conocida como la iglesia de los 9 fantasmas.

El éxito de la instalación logró incluso que la Iglesia católica reiniciara las actividades religiosas en el lugar, y los creyentes volvieran a asistir a las misas, sentados entre las fantasmales figuras.

Samantha Aguilar

viernes, 3 de noviembre de 2023

¿CUÁL FUE LA PRIMERA PELÍCULA DE TERROR DE LA HISTORIA?

Actualmente, el cine de terror es uno de los más populares y taquilleros, pero además obteniendo buenos comentarios tanto de la crítica como del público pero… ¿Sabes cuál fue la primera película de este género?

Resulta que el terror es uno de los géneros más viejos de la historia, de hecho existe prácticamente desde el nacimiento del cine y es que se trata de uno de los géneros que más disfrutamos (Leer más…).

Se da como fecha de origen del cine al año 1895, La mansión del diablo dirigida por George Méliès considerada como la primera de terror se estrenó el 24 de diciembre de 1896 en París. Básicamente trata de un murciélago que se transforma en Mefistófeles, un subordinado de Satanás encargado de capturar almas y que con la ayuda de su asistente, invoca entidades demoníacas desde un caldero, que luego se dedican a gastar bromas a dos hombres que entran al castillo.

Con una duración de un poco más de 3 minutos, algo insólito para la época tomando en consideración que estamos en una de las etapas más primitivas de la cinematografía, la Mansión del Diablo se creía perdida hasta que apareció en el New Zealand Film Archive, en 1988.

Samantha Aguilar


martes, 31 de octubre de 2023

MUSEO DEL ARTE PROHIBIDO

Caracterizado por exhibir obras que han sido censuradas, agredidas, denunciadas o retiradas de exposición, el MUSEU DE L’ART PROHIBIT abrió sus puertas al público el pasado jueves 26 de octubre en Barcelona y cuenta con 42 obras de todo el mundo.

Creado a partir de más de 200 obras que han sido prohibidas por motivos religiosos, políticos o sociales; adquiridas por el coleccionista español Tatxo Benet desde 2018. El proyecto está impulsado por su firme creencia de que juntas todas estas obras controversiales hacen que los visitantes "amplíen sus niveles de tolerancia y rebajen el nivel de escándalo de la obra".

Definido como un recorrido “irónico, reflexivo, mordaz, liberador, crítico, y empoderador” la colección pretende dar voz a creaciones de autores que un día fueron censuradas y silenciadas por una sociedad que intentó frenar su principio de libertad artística.

En unos 2.000 metros cuadrados se pueden ver obras que van desde el siglo XVIII hasta la actualidad, entre los que se encuentra un payaso de Ronald McDonald crucificado, alfombras musulmanas de oración adornadas con tacones de aguja, bocetos de ex presos de Guantánamo y una mujer lamiendo sugestivamente un plátano.

Desde obras consideradas blasfemia religiosa hasta pinturas o bocetos que tocan tabúes sexuales, además de críticas políticas y sociales, sin lugar a dudas en este museo no hay lugar para sentirse escandalizado.


“El Museo ha conseguido el objetivo de que la gente pueda entender que las obras no son solo importantes por sí mismas, sino por toda la historia que llevan detrás”. (Tatxo Benet)

Samantha Aguilar

martes, 26 de septiembre de 2023

¿QUÉ ES UN FURRO?


Se trata de un fandom perteneciente a la cultura geek basado en el género furry (del inglés cuyo significado es peludo o peluda) el cual se centra en el gusto por animales antropomórficos con conducta humana, que aparecen en novelas, cómics, programas animados, videos o arte en general.

El movimiento comenzó en los años 80’s en una convención de ciencia ficción donde se inició un debate acerca de los personajes protagónicos antropomórficos de la obra Albedo Anthropomorphics de Steve Gallacci. 

A partir de ese instante, se formó un grupo de debate que comenzó a reunirse en las distintas convenciones de cómics, provocando que poco a poco se popularizarse cada vez más entre la comunidad de geeks (Leer más…) y otakus (Leer más…); hasta que surgiendo las furcon, que son convenciones totalmente enfocadas en este fenómeno cultural y en donde los fans de este género aprovechan para hacer Cosplay (Leer más…) de sus personajes favoritos.

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Samantha Aguilar

lunes, 21 de agosto de 2023

GADSBY: el libro que no contiene ninguna E

A lo largo de la historia se han escrito varios libros que por una u otra razón nos parecen curiosos y/o únicos, uno de ellos es Gadsby. Esta novela fue escrita en 1939 por el norteamericano Ernest Vincent Wright la cual se destaca por ser una rareza y un logro a la vez.

Escrita en inglés y con 50.110 palabras, tiene el mérito de estar escrita en forma de lipograma (texto en el que se omite sistemáticamente una o varias letras del alfabeto) en este caso ninguna palabra utilizada contiene la letra E. Cabe mencionar  que en el idioma inglés la letra E es la vocal más utilizada.

Wright estuvo trabajando en el manuscrito de Gabsby a lo largo de unos 2 años. Se dice que para lograr escribir la novela sin que se colara ninguna E, tuvo que quitar literalmente la letra de su máquina de escribir sin embargo a pesar de esto, no consiguió evitar que la letra se colara 2 veces, ambas en la palabra “the”.

En la introducción Wright explica que el libro fue un desafío y que con él no trataba de alcanzar la gloria literaria sino conseguir algo que muchos afirmaban que no era posible. La historia trata sobre como el protagonista J. Gadsby  hace prosperar su ciudad natal Branton Hills llegando a convertirse en su alcalde.

A pesar de que la novela es toda una hazaña, la realidad es que no se considera relevante ni importante en la historia de la literatura;  sin embargo, debido a que un incendio acabó con casi todas las copias guardadas en el almacén de Wright, la escasez de ejemplares originales hace que tengan un alto valor entre bibliófilos y cazadores de rarezas.

Samantha Aguilar

jueves, 10 de agosto de 2023

EL ARTE DE LA TAXIDERMIA

La taxidermia es la práctica especializada en la disecación de cadáveres de animales con la finalidad de conservarlos manteniendo un aspecto lo más naturalmente posible es decir, como si estuviesen vivos. En otras palabras, se trata de disecar animales y colocarlos de tal forma que reproduzcan exactamente al animal vivo.

Si bien es cierto que la taxidermia es una práctica que ha estado muy ligada a la caza, la ciencia decidió utilizar esta técnica con fines divulgativos, de investigación y de conservación.

Debido a que para poder realizar esta actividad se necesitan ciertas habilidades y técnicas para recrear los animales exactamente como aparecían en vida, varios expertos consideran a la taxidermia un arte; pero como también se necesitan conocimientos científicos como anatomía y fisiología, podría considerarse como un encuentro entre la ciencia y el arte.

Entre las principales tareas que realizan los taxidermistas están:

Toma de medidas: se trata del primer paso y consiste en tomar las medidas exactas del cuerpo del animal.

Eliminación de la piel del animal: se debe quitar la piel haciendo el menor número de cortes posibles para tener así el menor número posible de costuras.

Curtido de la piel: después de quitar la piel, esta se curte (principalmente con agua y sal) para preservarla y eliminar la humedad; evitando así la descomposición.

Forma: el taxidermista realiza un marco con la forma del animal, el cual debe ser lo más detallado posible; se hace con alambre, papel maché o espuma y algunas partes con arcilla.

Montaje de la piel: tras completar la forma se cubre con pegamento y se vuelve a unir la piel cosiéndola.

Agregación de detalles: después de colocar la piel, se añaden detalles como los ojos.

Montaje del animal: este dependerá del cliente. Por ejemplo, se pueden utilizar placas de madera o reconstruir entornos realistas.

Samantha Aguilar

jueves, 13 de julio de 2023

DIFERENCIAS ENTRE SUSPENSO Y TERROR: Un poco de cine

Es muy común que confundamos una película de terror con una de suspenso y viceversa, ya que realmente es muy fácil confundir estos géneros cinematográficos, sin embargo existen grandes diferencias en sus características particulares que nos permiten diferenciar un género del otro.

Cabe recordar que los géneros cinematográfico son categorías ampliamente reconocidas por lo que son los que aportan las fórmulas que regirán cada una de las producciones. En pocas palabras el género cinematográfico es el tema general de una película que nos permite su clasificación ya que determina los temas y componentes narrativos que de alguna manera nos dirán de qué tratará la historia. Teniendo esto en claro entonces, ¿cuáles son las diferencias entre terror y suspenso?

En líneas generales, el suspenso es un sentimiento de incertidumbre o de ansiedad, como resultado de una determinada situación; generalmente esta emoción surge principalmente por falta de conocimiento sobre el desarrollo de un evento significativo.

Por su parte el terror es un género que tiene como objetivo principal provocar sensación de miedo extremo, ya sea mediante el uso de elementos sobrenaturales o carentes de explicación. Tengamos en cuenta que el terror es uno de los géneros más antiguos de la literatura y el cine, y obviamente lo que provoca terror en una época determinada puede diferir mucho, de lo que provoca ese mismo sentimiento en la actualidad. (¿POR QUÉ NOS GUSTA VER PELÍCULAS DE TERROR?)

Es importante mencionar que ambos géneros tienen como objetivo provocar fuertes reacciones emocionales en la audiencia, pero mientras que el terror se enfoca en el miedo y el horror, el suspenso resalta la tensión y la ansiedad.

Samantha Aguilar

martes, 9 de mayo de 2023

CÍRCULO DE CULTIVOS SUBMARINOS

Según la Administración Nacional Oceánica y Atmosférica menos del 5% se ha explorado de los océanos del mundo, lo que significa que el 95% de lo que se encuentra bajo el agua aún no ha sido visto por los ojos humanos.

El fotógrafo japonés Yoji Ookata buceaba cerca de Amami Oshima en el extremo sur de Japón, cuando se topó con algo nunca antes visto: patrones geométricos ondulados de arena de casi 2 metros de diámetro a casi  24 metros bajo el nivel del mar. Estos misteriosos círculos submarinos a menudo están decorados con conchas y otros elementos que se encuentran en el fondo del mar. Cabe mencionar que obtienen su nombre de la similitud que tienen con los círculos de las cosechas que se encuentran en la tierra.

Durante casi una década, el enigma detrás de estos patrones permaneció sin resolver. Fue en 2013, cuando estudiando al pez globo de manchas blancas se identificó el origen de estos patrones. Resulta que estos círculos son creados por los peces globo quienes nadan durante horas (les toma de 7 a 9 días) para crear este arte orgánico, el cual cumple una variedad de funciones sin embrago la más importante… Cortejar a las hembras.

Samantha Aguilar